sábado, 28 de agosto de 2010

India Arie

India Arie Simpson mais conhecida como India.Arie (Denver, 3 de Outubro de 1975)[2] é uma cantora, guitarrista, compositora e produtora musical de R&B, soul e neo soul estadunidense. Ela já foi premiada com três Grammy Awards.[3]

India.Arie nasceu em Denver, Colorado em 1975, desde pequena ela era influenciada pelo seus pais a desenvolver as suas habilidades musicais, sua mãe, Joyce Simpson, cantava profissionalmente, seus pai, Ralph Simpson, jogou na ABA e NBA de basquetebol.[4]

Indicações e Grammys Recebidos

Ano Categoria Gênero Música Resultado
2002 "Gravação do Ano" Geral "Video" Indicada
"Álbum do Ano" Geral Acoustic Soul Indicada
"Música do Ano" Geral "Video" Indicada
"Melhor Artista Revelação" Geral Indicada
"Melhor Cantora de R&B" R&B "Video" Indicada
"Melhor Música de R&B" R&B "Video" Indicada
"Melhor Álbum de R&B" R&B Acoustic Soul Indicada
2003 "Melhor Participação POP" Pop "The Christmas Song"
(com Stevie Wonder)
Indicada
"Melhor Performance Urbano e/ou Alternativa" R&B "Little Things" Vencedora
"Melhor Música de R&B" R&B "Good Man" Indicada
"Melhor Álbum de R&B" R&B Voyage to India Vencedora
2006 "Melhor Participação POP" Pop "A Time to Love"
(Stevie Wonder com India.Arie)
Indicada
2007 "Melhor Cantora de R&B" R&B "I Am Not My Hair" Indicada
"Melhor Música de R&B" R&B "I Am Not My Hair" Indicada
"Melhor Álbum de R&B" R&B Testimony: Vol. 1, Life & Relationship Indicada
2008 "Melhor Música de R&B" R&B "Beautiful Flower" Indicada
2009 "Melhor Performance por uma Dupla ou um Grupo de R&B" R&B "Words"
com Anthony David
Indicada
2010 "Melhor Performance por uma Dupla ou um Grupo de R&B" R&B "Chocolate High"
com Musiq Soulchild
Indicada




"Melhor Álbum de R&B" R&B Testimony: Vol. 2, Love & Politics Indicada
 Curta um pouco do som dela:


Quem é Pitty?

Pitty, nome artístico de Priscilla Novaes Leone, (Salvador, 7 de outubro de 1977) é uma cantora brasileira de rock. Já passou por duas bandas, Inkoma e Shes.
Nascida na capital baiana, Pitty passou a infância em Porto Seguro, no mesmo estado. Seu pai, músico e dono de bar, tocava bastante as canções do conterrâneo Raul Seixas, e ainda de outros tantos rockeiros dos anos 1960 e 1970, como Beatles, Elvis Presley e Lou Reed. Posteriormente, bandas como AC/DC, Nirvana, Alice in Chains, Metallica, Pantera (banda), Faith No More, Mars Volta, Queens of the Stone Age e Muse fizeram parte de suas principais influências.
Cresceu em meio ao cenário de bandas baianas independentes, com as quais participou de rodas de shows em um bar de Salvador. Um dia, entrou na roda cantando "Smells Like Teen Spirit" da banda Nirvana e desde então decidiu investir na área musical, com o apoio do grande nome do cenário underground Rogério Big Brother (dono do selo bigbross records).
Também participou da banda Shes (1997–1999) como baterista. A banda era também formada por Carol Ribeiro (guitarra), Liz Bee (guitarra e vocal) e Lulu (baixo). Pitty participou também da banda Inkoma (1995–2001), iniciando sua carreira como vocalista.
Foi aluna da Faculdade de Música da Universidade Federal da Bahia.
Pitty foi procurada pelo produtor musical Rafael Ramos (o mesmo de bandas do mainstream adolescente brasileiro e do cenário independente, como Raimundos e Matanza).
Em 2003, lança seu primeiro álbum, Admirável Chip Novo, onde ela conquistou sua fama e vendeu mais de 370 mil cópias.
Em 2005 ela lançou o CD Anacrônico e mostrou que veio para ficar, sempre emplacando vários sucessos. Esse álbum vendeu mais de 500 mil cópias.
Em 2007, após a turnê do Anacrônico, ela lançou seu primeiro DVD ao vivo, o {Des}Concerto ao Vivo. Além de ser lançado nos formatos CD, DVD e DualDisc, o registro de show da banda foi também lançado em um modelo de aparelho celular, resultado de uma parceria com a Nokia. Com isso, Pitty recebeu o prêmio "Celular de Platina" pela vendagem de 200 mil aparelhos contendo seu álbum.
Em 2009, lançou seu mais atual álbum chamado Chiaroscuro. O primeiro single do álbum, Me Adora, logo atingiu os primeiros lugares nas principais rádios brasileiras. Chiaroscuro ganhou um jogo de celular que é baseado em suas músicas, algo inédito no país, chamado Chiaroscuro: O Jogo.
Devido ao voto popular, Pitty levou vários prêmios no MTV Video Music Brasil, da MTV Brasil, entre eles já foi duas vezes artista do ano, ganhou o prêmio de clipe do ano, show do ano, três vezes seguidas como vocalista da banda dos sonhos e muitos outros. Pitty ganhou aproximadamente 44 prêmios ao longo dos seus seis anos de carreira.

Festa de lançamento do Renascer Praise 16

Uma grande festa para glorificar o nome de Jesus marcou o  lançamento do maior grupo de louvor da America Latina no Ginásio do Corinthians em São Paulo.Noite em que muitas vidas foram abençoadas através dos louvores.No show, o Renascer Praise apresentou os principais sucessos do novo CD, além de louvores que marcaram a trajetória do grupo. O grupo, que fechou contrato neste ano com a gravadora Sony, já alcançou o disco de ouro com o lançamento.

sexta-feira, 27 de agosto de 2010

Voz humana

voz humana é produzida pela vibração do ar que é expulso dos pulmões pelo diafragma e que passa pelas pregas vocais e é modificado pela boca, lábios e a língua.A voz humana é produzida pelas pregas vocais (cordas vocais)
A voz é uma característica humana intimamente relacionada com a necessidade do homem de se agrupar e se comunicar. Ela é produto da nossa evolução, um trabalho em conjunto do sistema nervoso, respiratório e digestivo, e de músculos, ligamentos e ossos, harmoniosamente atuando para que se possa obter uma emissão eficiente. É importante sabermos que as pregas vocais (ou cordas vocais), que são dois pares de músculos (formando o tíreo-aritenóideo) que, primordialmente, não foram feitos para o uso da voz. Esta foi uma função na qual a laringe (local onde se encontram as pregas vocais) se especializou. Mas estes músculos foram desenvolvidos, em primeiro lugar para as funções de respiração, alimentação e esficteriana.
A voz está associada à fala, na realização da comunicação verbal, e pode variar quanto à intensidade, altura, inflexão, ressonância, articulação e muitas outras características.
À emissão de uma voz saudável, damos o nome de eufonia. A uma voz doente, ou seja, com alguma de suas características alterada, damos o nome de disfonia. A disfonia pode ser orgânica, funcional ou mista (orgânica-funcional). Ela não é uma doença, mas o sintoma, uma manifestação de um mau funcionamento de um dos sistemas ou estruturas que atuam na produção da voz.
A disfonia pode e deve ser tratada. O profissional habilitado e responsável pela intervenção das disfonias é o terapeuta da fala, sendo que geralmente este profissional trabalha em conjunto (no caso da voz) com o otorrinolaringologista ou o laringologista. Pode, ainda, trabalhar com o professor de canto.
A voz sofre muita influência de hormônios e de nossas emoções. É comum ouvir pessoas que estão muito tristes ou nervosas, roucas. A rouquidão é um tipo de disfonia.
Nunca devemos esquecer-nos de que falamos para o outro. A comunicação, a linguagem verbal, o uso da voz, isso só tem sentido quando temos o outro e quando nos fazemos entender para este outro. A voz é um recurso importante para esse entendimento. Ela pode dizer quando estamos interessados em alguém, quando estamos cansados, quando estamos tristes, alegres, nervosos, quando acabamos de acordar, quando estamos em um ambiente ruidoso, quando estamos calmos ou quando estamos exercendo uma atividade em que a voz é o diferencial.
A voz é produzida quando o ar expiratório (vindo dos pulmões) passa pelas pregas vocais, e por nosso comando neural, por meio de ajustes musculares, faz pressões de diferentes graus na região abaixo das pregas vocais, fazendo-as vibrarem. Esse mecanismo se assemelha ao balão, quando o secamos apertando sua "boca", provocando um ruído agudo, fruto da vibração da borracha.
Não podemos esquecer que voz é som, e som é igual a onda sonora. O ar expiratório, que fez as pregas vocais vibrarem, vai sendo modificado e os sons vão sendo articulados (vogais e consoantes). Depois, emitidos pela boca, fazem a onda sonora que vai atingir a cóclea do ouvinte. Aí é que a voz é ouvida.
As pregas vocais vibram muito rapidamente. Nos homens, esse número de ciclos vibratórios fica em torno de 125 vezes em 1 segundo. Na mulher, que tem voz, geralmente, mais aguda, o número aumenta para 250 vezes por segundo. A essa característica damos o nome de freqüência. Vale recordar que as pregas vocais do homem têm mais massa e são menos esticadas que as da mulher (como no violão, as cordas mais esticadas são mais agudas e vibram mais que as cordas mais graves. Daí, inclusive, que vem a expressão "pregas vocais").
Obs.: O termo "cordas vocais" está deixando de ser usado, já que quando falamos cordas vocais pensamos que são formados por cordas, o que não é verdade. Em troca deste termo estão adotando o termo de pregas vocais, já que se assemelha mesmo a duas pregas.
Fonte :http://pt.wikipedia.org/wiki/Voz_humana

Quem é Chico Buarque?

Francisco Buarque de Hollanda (Rio de Janeiro, 19 de junho de 1944), mais conhecido como Chico Buarque ou ainda Chico Buarque de Hollanda, é um músico, dramaturgo e escritor brasileiro.
Filho do historiador Sérgio Buarque de Holanda, iniciou sua carreira na década de 1960, destacando-se em 1966, quando venceu, com a canção A Banda, o Festival de Música Popular Brasileira. Em 1969, com a crescente repressão da ditadura militar no Brasil, se auto-exilou na Itália, tornando-se, ao retornar, um dos artistas mais ativos na crítica política e na luta pela democratização do Brasil. Na carreira literária, foi ganhador do Prêmio Jabuti, pelo livro Budapeste, lançado em 2004.
Casou-se com e separou-se da atriz Marieta Severo, com quem teve três filhas: Sílvia, que é atriz e casada com Chico Diaz, Helena, casada com o percussionista Carlinhos Brown e Luísa. É irmão das cantoras Miúcha, Ana de Hollanda e Cristina. Ao contrário do que tem sido propagado na internet, Aurélio Buarque era apenas um primo distante do pai de Chico.[2]

Biografia

Chico é filho de Sérgio Buarque de Holanda (19021982), um importante historiador e jornalista brasileiro e de Maria Amélia Cesário Alvim(1910-2010), pintora e pianista.
Em 1946, passou a morar em São Paulo, onde o pai assumira a direção do Museu do Ipiranga. Sempre revelou interesses pela música – interesse que foi bastante reforçado pela convivência com intelectuais como Vinicius de Moraes e Paulo Vanzolini.[3]
Em 1953, Sérgio Buarque de Holanda foi convidado para lecionar na Universidade de Roma, consequentemente, a família muda-se para a Itália. Chico torna-se trilíngue, na escola fala inglês, e nas ruas, italiano. Nessa época, suas primeiras "marchinhas de carnaval" são compostas, e, com as irmãs mais novas, Piiizinha, Cristina e Ana, encenadas.[3]
De volta ao Brasil, produz suas primeiras crônicas no jornal Verbômidas, do Colégio Santa Cruz de São Paulo, nome criado por ele. Sua primeira aparição na imprensa não foi cultural, mas policial, publicada, no jornal Última Hora, de São Paulo. Com um amigo, furtou um carro para passear pela madrugada paulista, algo relativamente comum na época.[3] Foi preso. "Pivetes furtaram um carro: presos" foi a manchete no dia seguinte com uma a foto de dois menores com tarjas pretas nos olhos. Chico não pôde mais sair sozinho à noite até que completasse 18 anos.[3]

Início de Carreira

Chico Buarque chegou a ingressar no curso de Arquitetura na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo (FAU) em 1963. Cursou dois anos e parou em 1965, quando começou a se dedicar à carreira artística. Neste ano, lançou Sonho de Carnaval, inscrita no I Festival Nacional de Música Popular Brasileira, transmitida pela TV Excelsior, além de Pedro Pedreiro, música fundamental para experimentação do modo como viria a trabalhar os versos, com rigoroso trabalho estilístico morfológico e politização, mais significativamente na década de 1970. A primeira composição séria, Canção dos Olhos, é de 1961.
Conheceu Elis Regina, que havia vencido o Festival de Música Popular Brasileira (1965) com a canção Arrastão, mas a cantora acabou desistindo de gravá-lo devido à impaciência com a timidez do compositor. Chico Buarque revelou-se ao público brasileiro quando ganhou o mesmo Festival, no ano seguinte (1966), transmitido pela TV Record, com A Banda, interpretada por Nara Leão (empatou em primeiro lugar com Disparada, de Geraldo Vandré). No entanto, Zuza Homem de Mello, no livro A Era dos Festivais: Uma Parábola, revelou que a banda venceu o festival. O musicólogo preservou por décadas as folhas de votação do festival. Nelas, consta que a música "A Banda" ganhou a competição por 7 a 5. Chico, ao perceber que ganharia, foi até o presidente da comissão e disse não aceitar a derrota de Disparada. Caso isso acontecesse, iria na mesma hora entregar o prêmio ao concorrente.
No dia 10 de outubro de 1966, data da final, iniciou o processo que designaria Chico Buarque como unanimidade nacional, alcunha criada por Millôr Fernandes.
Canções como Ela e sua Janela, de 1966, começam a demonstrar a face lírica do compositor. Com a observação da sociedade, como nas diversas vezes em que citação do vocábulo janela está presente em suas primeiras canções: Juca, Januária, Carolina, A Banda e Madalena foi pro Mar. As influências de Noel Rosa podem ser notadas em A Rita, 1965, citado na letra, e Ismael Silva, como em marchas-ranchos.

Festivais de MPB nos anos de 1960

No festival de 1967 faria sucesso também com Roda Viva, interpretada por ele e pelo grupo MPB-4 — amigos e intérpretes de muitas de suas canções. Em 1968 voltou a vencer outro Festival, o III Festival Internacional da Canção da TV Globo. Como compositor, em parceira com Tom Jobim, com a canção Sabiá. Mas desta vez a vitória foi contestada pelo público, que preferiu a canção que ficou em segundo lugar: Pra não dizer que não falei de flores, de Geraldo Vandré.
A participação no Festival, com A Banda, marcou a primeira aparição pública de grande repercussão apresentando um estilo amparado no movimento musical urbano carioca da Bossa nova, surgido em 1957. Ao longo da carreira, o samba e a MPB também seriam estilos amplamente explorados.

Trilha-sonora e adaptações de livros

Chico participou como autor e compôs várias canções de sucesso para o filme Quando o Carnaval chegar, musical de Cacá Diegues. Compôs a canção-tema do longa-metragem Vai trabalhar Vagabundo, de Hugo Carvana — Carvana chegou a modificar o roteiro a fim de usá-la melhor. Faria o mesmo com os filmes seguintes desse diretor: Se segura malandro e Vai trabalhar vagabundo II. Adaptou canções de uma peça infantil para o filme Os Saltimbancos Trapalhões do grupo humorístico Os Trapalhões e com interpretações de Lucinha Lins. Outras adaptações de uma peça homônima de sua autoria foram feitas para o filme A Ópera do Malandro, mais um musical cinematográfico. Vários filmes que tiveram canções-temas de sua autoria e que fizeram muito sucesso além dos citados: Bye Bye Brasil, Dona Flor e seus dois maridos e Eu te amo, os dois últimos com Sônia Braga. Recentemente, chegou a ter uma participação especial como ator no filme Ed Mort. Ele escreveu um livro que virou filme, Benjamim, que foi ao ar nos cinemas em 2003, tendo como personagens principais Cleo Pires, Danton Melo e Paulo José.
E maio de 2009, é lançado o filme Budapeste com roteiro baseado em livro homônimo de Chico Buarque. No filme há também a participação especial do escritor.

Teatro e literatura

Musicou as peças Morte e vida severina e o infantil Os Saltimbancos. Escreveu também várias peças de teatro, entre elas Roda Viva (proibida), Gota d'Água, Calabar (proibida), Ópera do malandro e alguns livros: Estorvo, Benjamim, Budapeste e Leite Derramado.
Chico Buarque sempre se destacou como cronista nos tempos de colégio; seu primeiro livro foi publicado em 1966, trazendo os manuscritos das primeiras composições e o conto Ulisses, e ainda uma crônica de Carlos Drummond de Andrade sobre A Banda. Em 1974, escreve a novela pecuária Fazenda modelo e, em 1979, Chapeuzinho Amarelo, um livro-poema para crianças. A bordo do Rui Barbosa foi escrito em 1963 ou 1964 e publicado em 1981. Em 1991, publica o romance Estorvo e, quatro anos depois, escreve o livro Benjamim. Em 2004, o romance Budapeste ganha o Prêmio Jabuti de melhor Livro de Ficção do ano.[4] Em 2009, lança o livro Leite Derramado. Oficialmente, a vendagem mínima de seus livros é de 500 mil exemplares no Brasil.

Programas de televisão

Deixou de participar de programas populares de televisão, tendo problemas com o apresentador Chacrinha, que teria feito uma piada com a letra da canção Pedro Pedreiro, ao ouvir o ensaio. Irritado, Chico foi embora e nunca se apresentou no programa. O executivo Boni proibiu qualquer referência a Chico durante a programação da TV Globo, depois que ambos também tiveram um entrevero, mas por pouco tempo, uma vez que ainda durante a década de 1970 (e o começo da de 80) músicas suas constavam das trilhas de várias telenovelas, como Espelho Mágico e Sétimo Sentido. Ao fim da proibição vários anos depois, Chico aceitou fazer um programa com Caetano Veloso, que contou com a participação de outros artistas.

[editar] A crítica à Ditadura

Ameaçado pelo Regime Militar no Brasil, esteve exilado na Itália em 1969, onde chegou a fazer espetáculos com Toquinho. Nessa época teve suas canções Apesar de você (que dizem ser uma alusão negativa ao presidente Emílio Garrastazu Médici, mas que Chico sustenta ser em referência à situação) e Cálice proibidas pela censura brasileira. Adotou o pseudônimo de Julinho da Adelaide, com o qual compôs apenas três canções: Milagre Brasileiro, Acorda amor e Jorge Maravilha. Na Itália Chico tornou-se amigo do cantor Lucio Dalla, de quem fez a belíssima Minha História, versão em português (1970) da canção Gesù Bambino (título verdadeiro 4 marzo 1943), de Lucio Dalla e Paola Palotino. Em viagem a França, tornou-se amigo de Carlos Bandeirense Mirandópolis inspirando-se em uma de suas composições para criar Samba de Orly.
Ao voltar ao Brasil continuou com composições que denunciavam aspectos sociais, econômicos e culturais, como a célebre Construção ou a divertida Partido Alto. Apresentou-se com Caetano Veloso (que também foi exilado, mas na Inglaterra) e Maria Bethânia. Teve outra de suas músicas associada a críticas a um presidente do Brasil. Julinho da Adelaide, aliás, não era só um pseudônimo, mas sim a forma que o compositor encontrou para driblar a censura, então implacável ao perceber seu nome nos créditos de uma música. Para completar a farsa e dar-lhe ares de veracidade, Julinho da Adelaide chegou a ter cédula de identidade e até mesmo a conceder entrevista a um jornal da época.
Uma das canções de Chico Buarque que criticam a ditadura é uma carta em forma de música, uma carta musicada que ele fez em homenagem ao Augusto Boal, que vivia no exílio, quando o Brasil ainda vivia sob a ditadura militar.
A canção se chama Meu Caro Amigo e foi dirigida a Boal, que na época estava exilado em Lisboa. A canção foi lançada originalmente num disco de título quase igual, chamado Meus Caros Amigos, do ano de 1976.
Nordeste já
Valendo-se ainda do filão engajado da pós-ditadura, cantou, ainda que com uma participação individual diminuta, no coro da versão brasileira de We Are the World, o hit americano que juntou vozes e levantou fundos para a África ou USA for Africa. O projeto Nordeste Já (1985) abraçou a causa da seca nordestina, unindo 155 vozes num compacto de criação coletiva com as canções Chega de mágoa e Seca d´água. Elogiado pela competência das interpretações individuais, foi no entanto criticado pela incapacidade de harmonizar as vozes e o enquadramento de cada uma delas no coro.

O "eu" feminino

Composições que se notabilizaram pela decantação de um "eu" feminino, retratando temas a partir do ponto de vista das mulheres com notória poesia e beleza: esse estilo é adaptado em Com açúcar e com afeto escrito para Nara Leão; continuou nessa linha com belas canções como Olhos nos Olhos e Teresinha, gravadas por Maria Bethânia, Atrás da Porta, interpretada por Elis Regina, e Folhetim, com Gal Costa, Iolanda (versão adaptada de letra original de Pablo Milanés), num dueto com Simone, Anos Dourados – um clássico feito em parceria com Tom Jobim para a minissérie de mesmo nome e "O Meu Amor" para a peça "Ópera do Malandro" interpretada por Marieta Severo e Elba Ramalho sendo que, para essa última, fez também "Palavra de Mulher".

Os intérpretes de Chico

Chico Buarque nunca se negou a oferecer a seus amigos e familiares cantores composições originais, e muitas dessas canções passaram a ter versões "definitivas" em outras vozes: além das citadas canções do "eu" feminino, temos o exemplo da performance de Elis Regina na canção Atrás da Porta; Cio da Terra, com gravações de Milton Nascimento e da dupla rural Pena Branca & Xavantinho; além de interpretações de Oswaldo Montenegro, que lançou em 1993 Seu Francisco, disco produzido por Hermínio Bello de Carvalho, e Ney Matogrosso que em 1996 lançou Um Brasileiro.
Deve-se mencionar ainda seu êxito com outras composições que fez para cantores populares já com a carreira em declínio, como nos casos de Ângela Maria, que gravou Gente Humilde, e Cauby Peixoto com Bastidores. Dentre os artistas que regravaram músicas suas em estilo popular podem ser citados ainda Rolando Boldrin, que relançou Minha História, e a banda Engenheiros do Hawaii que, no ano 2000, gravou Quando o Carnaval Chegar, no álbum 10.000 Destinos.
Parceiros
Desde muito jovem, conquistou reconhecimento de crítica e público tão logo os primeiros trabalhos foram apresentados. Ao longo da carreira foi parceiro como compositor e intérprete de vários dos maiores artistas da Música Popular Brasileira como Tom Jobim, Vinícius de Moraes, Toquinho, Milton Nascimento e Caetano Veloso. Os parceiros mais constantes são Francis Hime e Edu Lobo.

Obra teatral

Em 1965, a pedido de Roberto Freire (o escritor e terapeuta, não confundir com o político), diretor do Teatro da Pontifícia Universidade Católica de São Paulo (TUCA), na PUC-SP, Chico musicou o poema Morte e Vida Severina de João Cabral de Melo Neto, para a montagem da peça. Desde então, sua presença no teatro brasileiro tem sido constante:
Roda viva
A peça Roda viva foi escrita por Chico Buarque no final de 1967 e estreou no Rio de Janeiro, no início de 1968, sob a direção de José Celso Martinez Corrêa, com Marieta Severo, Heleno Pests e Antônio Pedro nos papéis principais. A temporada no Rio foi um sucesso, mas a obra virou um símbolo da resistência contra a ditadura durante a temporada da segunda montagem, com Marília Pêra e Rodrigo Santiago. Um grupo de cerca de 110 pessoas do Comando de Caça aos Comunistas (CCC) invadiu o Teatro Galpão, em São Paulo, em julho daquele ano, espancou artistas e depredou o cenário. No dia seguinte, Chico Buarque estava na plateia para apoiar o grupo e começava um movimento organizado em defesa de Roda viva e contra a censura nos palcos brasileiros. Chico disse no documentário Bastidores, que pode ter havido um erro, e que a peça que o comando deveria invadir acontecia em outro espaço do teatro.
Calabar
Calabar: o Elogio da Traição, foi escrita no final de 1973, em parceria com o cineasta Ruy Guerra e dirigida por Fernando Peixoto. A peça relativiza a posição de Domingos Fernandes Calabar no episódio histórico em que ele preferiu tomar partido ao lado dos holandeses contra a coroa portuguesa. Era uma das mais caras produções teatrais da época, custou cerca de 30 mil dólares e empregava mais de 80 pessoas. Como sempre, a censura do regime militar deveria aprovar e liberar a obra em um ensaio especialmente dedicado a isso. Depois de toda a montagem pronta e da primeira liberação do texto, veio a espera pela aprovação final. Foram três meses de expectativa e, em 20 de outubro de 1974, o general Antônio Bandeira, da Polícia Federal, sem motivo aparente, proibiu a peça, proibiu o nome "Calabar" e proibiu que a proibição fosse divulgada. O prejuízo para os autores e para o ator Fernando Torres, produtores da montagem, foi enorme. Seis anos mais tarde, uma nova montagem estrearia, desta vez, liberada pela censura.
Gota d'água
Em 1975, Chico escreveu com Paulo Pontes a peça Gota d'Água, a partir de um projeto de Oduvaldo Viana Filho, que já havia feito uma adaptação de Medeia, de Eurípedes, para a televisão. A tragédia urbana, em forma de poema com mais de quatro mil versos, tem como pano de fundo as agruras sofridas pelos moradores de um conjunto habitacional, a Vila do Meio-dia, e, no centro, a relação entre Joana e Jasão, um compositor popular cooptado pelo poderoso empresário Creonte. Jasão termina por largar Joana e os dois filhos para casar-se com Alma, a filha do empresário. A primeira montagem teve Bibi Ferreira no papel de Joana e a direção de Gianni Ratto. O saudoso Luiz Linhares foi um dos atores daquela primeira montagem.

Ópera do malandro
O texto da Ópera do malandro é baseado na Ópera dos mendigos (1728), de John Gay, e na Ópera de três vinténs (1928), de Bertolt Brecht e Kurt Weill. O trabalho partiu de uma análise dessas duas peças conduzida por Luís Antônio Martinez Corrêa e que contou com a colaboração de Maurício Sette, Marieta Severo, Rita Murtinho e Carlos Gregório.A equipe também cooperou na realização do texto final através de leituras, críticas e sugestões. Nessa etapa do trabalho, muito valeram os filmes Ópera de três vinténs, de Pabst, e Getúlio Vargas, de Ana Carolina, os estudos de Bernard Dort O teatro e sua realidade, as memórias de Madame Satã, bem como a amizade e o testemunho de Grande Otelo. Participou ainda o professor Manuel Maurício de Albuquerque para uma melhor percepção dos diferentes momentos históricos em que se passam as três óperas. O professor Werneck Viana contribuiu posteriormente com observações muito esclarecedoras. E Maurício Arraes juntou-se ao grupo, já na fase de transposição do texto para o palco. A peça é dedicada à lembrança de Paulo Pontes.
Ascesse também o site oficial http://www.chicobuarque.com.br/

 

quarta-feira, 25 de agosto de 2010

Cantar também é coisa de criança viu?

Dá uma olhada nessas crianças....




Canto

Canto ou cantoria podem ter diversos significados:

domingo, 22 de agosto de 2010

Compositor

Compositor é um profissional que escreve música. Normalmente o termo se refere a alguém que utiliza um sistema de notação musical que permita a sua execução por outros músicos. Em culturas ou gêneros musicais que não utilizem um sistema de notação, o termo compositor pode-se referir ao criador original da música. Nesse caso, a transmissão para outros intérpretes é feita por memorização e repetição. Em geral, o compositor é o autor da música e, como tal, é o detentor dos direitos autorais. Atualmente as composições musicais são defendidas pela legislação de direitos autorais. Existem editoras especializadas em música e o compositor ou detentor dos direitos da composição recebem royalties sempre que uma nova gravação comercial ou execução pública é realizada.

Compositor na música erudita

Na Música Erudita, o compositor é um músico altamente treinado na teoria musical e normalmente é responsável, além da criação da partitura original, também pelos arranjos para a instrumentação ou para as vozes desejadas. No início do desenvolvimento da música erudita na Europa, a função do compositor não era muito valorizada. O intérprete tinha liberdade para alterar a composição como desejasse, acrescentando improvisações, ou mesmo misturando partes de composições diferentes. À medida que a música se tornou mais complexa, o compositor passou a ser associado à sua obra e ter mais controle sobre a execução de suas composições. A música escrita passou a ser encarada como um conjunto de instruções estritas das quais o intérprete não se deve desviar. O valor da interpretação da música erudita hoje em dia diz muito mais respeito à expressão que à improvisação. Para permitir que os intérpretes demonstrem virtuosismo, a maioria dos compositores, a partir do período clássico, passou a deixar momentos específicos na partitura onde o intérprete pode improvisar como desejar (cadenza), desde que o restante da composição seja respeitado.

Música popular

Na música popular, o compositor escreve a música para canções (e, às vezes, também as letras). A composição não é tão rígida como na música erudita, e admite-se (e, até, espera-se) a improvisação. Em muitos casos, a música é adaptada para a instrumentação do grupo musical que a executará pelo arranjador, um músico especializado nessa tarefa. Em certos gêneros, como o Jazz, nem essa etapa é necessária, e os músicos criam o arranjo durante a execução, improvisando livremente sobre os temas elaborados pelo compositor.
Em português, o termo "compositor" refere-se a qualquer gênero musical, erudito ou popular, mas em algumas outras línguas (como o inglês e o alemão) existe um termo específico para o compositor de canções populares (songwriter, em inglês, ou liedermacher, em alemão). Como um termo correspondente não existe em português, normalmente esse tipo de compositor é chamado de "compositor popular" ou "compositor de letra e música" ou "autor", simplesmente. Aquele que também interpreta suas próprias canções é chamado de "cantor e compositor" ou "cantautor". O escritor de letras de música também é chamado "letrista".
A 15 de Janeiro celebra-se o Dia Mundial do Compositor.

Raper Marcio Dias em entrevista para o Revista Afro.com

Marcio Attack Versos: Hoje me sinto vitorioso, sou um Márcio Doce, um Márcio amargo. O Márcio antigo era mais amargo, pois as experiências me fizeram mudar muito…
Quem lê essa frase não imagina o que ela representa na vida desse negro guerreiro. Márcio Dias é um orgulho para todos nós negros ou não,um orgulho e uma inspiração para todo aquele que enfrenta dificuldades na vida mas decide não deixar de lutar jamais.
Márcio Attack Versos veio de Goiânia para São Paulo em 1993 em época de dificuldades onde um ano antes sua avó havia falecido. O mesmo veio ainda novo para São Paulo com seus amigos no intuito de cantar, mas era algo mais ilusório tinha uma idéia de que aqui seria tudo fácil, vi que não tinha onde ficar, ele era o menor da turma, mas cada um queria fazer uma coisa diferente, a maioria deles havia vindo mesmo para bagunçar o largaram no metrô e foram embora para o Rio de Janeiro.Marcio ficou no Metrô São Bento a princípio , mas foi alertado de que lá era muito perigoso e que deveria ir para o metrô Jabaquara pois havia mais movimento lá, o detalhe é que no Jabaquara não era permitido dormir enquanto o mesmo tivesse aberto,tinha que esperar o metrô fechar, mas ao fechar eles o lavavam,e antes de abrir lavavam novamente, ou seja, durante esse tempo passou noites e noites dormindo sentado. Depois de um ano vivendo aqui sem documentação e sobrevivendo do dinheiro que pedia na rua, decidiu voltar para Goiania levantar a documentação, e em seguida retornou para São Paulo.
Marcio Attack Versos: “Sei que Deus nos dá apenas o que conseguimos carregar, mas por muitas vezes ficamos querendo mais e mais, então quando a dor é bem maior normalmente é pos “nosso olho grande”.
Nesse retorno conheceu uma família que morava em um Biomgo e que o levou para casa deles, mas ele diz lembrar ainda que seu aniversário de 14 anos, o natal e o ano novo desse mesmo ano ele passou mesmo foi na rua…
Seu primeiro trabalho foi na em uma galeria na qual o que ninguém sabia era morador de rua .Independente disso ele conseguiu conquistar a confiança de todos ao seu redor, às vezes até a chave restaurante ficava com ele, por sua idade não conseguia alugar nada, então pagava 50 reais por noite em motéis para dormir 2 horas e tomar seu banho, ficou nessa rotina por muito tempo, até que o restaurante deu falência e o mesmo foi encaminhado para uma loja de discos pela própria dona do restaurante que já não pagaria o que lhe devia. A loja nem nome tinha, mas ele a chamava de Alternativa C e assim ficou sendo chamada; antes de entra na loja ele até tinha saido da rua, mas com o atraso do salário do restaurante o dono do lugar levou suas coisas para o restaurante e disse que não era seu parente e que se não o pagavam deveriam o dar pelo menos um lugar para morar…Voltou para RUA.
Em 1997 gravou uma música chamada Me empresta o microfone, junto com o Maurinho do Sabotagem, “O Maurinho do Sabotagem, sempre me incentivou, e o meu patrocionio da XXL foi graças a ele estar sempre falando bem de mim,naquele tempo valeu super apena, as coisas seguem nos rumos certos” – diz Márcio.
Desde então foram surgindo outras músicas como O Tempo e As dores do Mundo.
O lançamento de um vinil com as músicas de uma coletanea que estava demorando a sair , fez com que ele sentisse o gosto de ser profissionalmente um músico: “Fiz 1.000 cópias por conta própria; dessas mil , 600 eu consegui recebere e as outras 400 não tenho esperanças de receber até hoje” – diz Márcio sorrindo – Ele conseguiu manter o fluxo dos vinils, até mesmo porque estavam saindo de moda entre os DJs, mas até hoje há pessoas que procuram esse vinil.
Momentos difíceis foram enfrentado por essa revelação do rap, o menino que só andava bebado, fumava muito e cheirava teve sua vida trasnformada quandoa conheceu uma pessoa que o encorajou a mudar sua vida, aos poucos, ele foi vendo que estava se destroindo então começou a levar a vida mais a sério.
“O que passei, o que fui. tento esquecer; vivo o que sou agora e me esforço para melhorar…”
A música que ele mais se indentifica é também a que ele menos gosta de ouvir : Onde tudo começou, o faz lembrar de tudo o que ele viveu.Essa música foi feita por ele uma noite antes de gravar o disco, o mesmo sentia que estava faltando alguma música e durante a noite veio a inspiração, apensar da música ser muito linda e forte e fazer com que reflitamos muito sobre nossas vidas,ele até hoje evita de cantá-la.Essa é sim uma história dura, de sofrimento e algumas tristezas, mas é muito mais um exemplo de garra, força, luta perseverança, fé em Deus e superação.
O MÁRCIO DE HOJE É O RESULTADO DE QUE DEUS EXISTE.
Fonte:http://www.revistaafro.com.br/portal/colunistas/erica-christina/superando-as-dores-da-vida-com-o-amor-pela-musica/

Googoosh você sabe o que é? rsss

Googoosh, como é comumente chamada a senhora Faegheh Atashin, é uma atriz e cantora pop iraniana. A pronúncia correta em português de seu nome (de acordo com a escrita na língua persa, que é گوگوش) seria Gugush (ou Guguch), pois os dois "o" só lhe são postos por causa do idioma inglês.

Sua etnia é a azerí. Nascida em 5 de Maio de 1950, Googoosh é natural de Teerão, a capital iraniana. Sempre foi uma artista, e era de família liberal. Nunca usou o véu tradicional muçulmano e nem roupas conservadoras, a não ser após a Revolução Islâmica, quando acabou-se a liberdade em seu país e todas as mulheres foram obrigadas a adoptar comportamentos discretos em público. Nos anos 70, Googoosh era considerada a maior celebridade musical no Irão, com centenas de canções registadas, a maioria em persa, algumas em turco, arménio, árabe etc, e até em espanhol (La Malagueña) ou francês (J'entends Crier Je T'aime). Googoosh também actuou em vários filmes persas entre os anos 60 e 70. Depois da Revolução Iraniana em 1979, ela permaneceu no país até 2000, mas não gravou e não fez nenhuma apresentação devido o banimento de apresentações solos femininas. Seu silêncio apenas contribuiu para que sua fama fosse perpetuada e se espalhasse ainda mais pelos países vizinhos, como o Iraque, o Afeganistão, o Paquistão, o Azerbaijão, a Turquia, e as nações da Ásia Central e os países do Golfo e do Oriente Médio em geral. Ademais, sendo uma pessoa conhecida, qualquer palavra de protesto seu, dentro das fronteiras do Irão, poderia custar-lhe no mínimo a prisão, e talvez a própria vida. Muitos artistas iranianos foram executados desde o retorno de Khomeini do exílio.
Actualmente, Googoosh vive em Richmond Hill, Ontario.[carece de fontes?]Voltou a trabalhar com música, com o apoio da numerosa comunidade de refugiados iranianos da América do Norte, porém sem o mesmo êxito dos anos dourados, o que é natural depois de mais de duas décadas de inactividade. Seu primeiro álbum lançado depois do longo silêncio chamava-se Zartosht, em homenagem à Zoroastro, velho profeta persa, em alusão à antiga e tolerante cultura de sua nação, onde "cantar não era um delito".

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Música de Cabo Verde

De um modo muito resumido, pode-se dizer que a música de Cabo Verde resulta de elementos musicais europeus (sobretudo de origem portuguesa) aos quais se sobrepõem elementos musicais africanos.

História

Existem poucos registos acerca da evolução da música em Cabo Verde. Sendo a música um veículo de expressão que se manifesta naturalmente no ser humano, seria natural de se esperar que as populações que povoaram Cabo Verde (africanos e europeus) levassem consigo as suas tradições musicais. Mas sobre o momento exacto em que se deu um processo de miscigenação musical, nada se sabe.
Durante a colonização portuguesa, o tipo de música permitido pela administração era sobretudo a música eclesiástica, sendo outras formas de expressão da população relegadas para um contexto um tanto ou quanto clandestino. Essa política de repressão aumentou durante o regime do Estado Novo pela administração portuguesa, por considerar certos géneros como «africanos», e por causa disso, certas formas musicais estiveram à beira da extinção.
Depois da independência, houve um ressurgir desses géneros musicais, mas também novas experiências têm sido feitas conferindo à música cabo-verdiana características diferentes das que são descritas abaixo.

Gêneros musicais


De um modo inconsciente, o cabo-verdiano tem tendência em classificar a música de Cabo Verde em géneros musicais. Assim, ao ouvir-se uma peça musical, ela é logo classificada de batuque, colá, coladeira, funaná, mazurca, morna, ou qualquer outro género musical (de Cabo Verde ou não) independentemente dos menores ou maiores conhecimentos musicais do ouvinte.
Como géneros genuinamente cabo-verdianos pode-se mencionar o batuque, o colá, a coladeira, o funaná, a morna, a tabanca. Outros géneros musicais não são originários de Cabo Verde, mas ganharam características próprias, como o lundum, a mazurca, a valsa. Ao longo da história da música de Cabo Verde, certas conjecturas sociais e/ou fenómenos de moda fizeram com que alguns géneros de Cabo Ve rde sofressem influência de géneros estrangeiros, ou então, por uma questão de gosto ou de moda, certos géneros são (eram) interpretados inalterados, como a bossa nova, a cúmbia, o hip-hop, o reggae, a rumba, o samba, o zouk, etc.

Características

A música de Cabo Verde é sobretudo polifónica, ou seja, a melodia desenvolve-se sobre uma base formada por uma sucessão de acordes. Contrasta assim com a música da África Ocidental, que se caracteriza por uma sobreposição de contrapontos. São poucos os géneros que são monofónicos (batuque, tabanca, colá, e outras melopeias), mas mesmo assim, com o advento de instrumentos eléctricos, e o interesse de músicos novos em fazer ressurgir certos géneros musicais, esses géneros musicais têm sido reinterpretados numa forma polifónica.
As escalas musicais empregadas são escalas musicais europeias. A morna, a coladeira, a mazurca, o lundum, por exemplo, usam frequentemente escalas cromáticas. O funaná, em contrapartida, usa frequentemente escalas diatónicas. As linhas melódicas variam muito, e alguns autores dizem (de um modo bastante impressionístico) que «a melodia lembra as montanhas e as ondas do mar».
Se na melodia e na harmonia nota-se sobretudo a influência europeia, é no ritmo que se nota mais a influência africana. Os ritmos são sincopados, e o emprego simultâneo de vários instrumentos de percussão permite modelos rítmicos complexos. Os géneros musicais têm geralmente compassos pares (binários ou quaternários). Só o colá, a mazurca e a valsa é que usam um compasso ternário. O batuque é o único género que emprega a polirritmia, frequente na música da África ocidental.
Estruturalmente, os géneros musicais articulam-se em estrofes musicais, em que as estrofes principais alternam com o refrão. Só o batuque e a tabanca é que têm uma estrutura de canto e resposta.
Na instrumentação, predominam os cordofones: a guitarra (chamada violão em Cabo Verde), violas de 10 e 12 cordas (chamadas simplesmente violas), o cavaquinho, o violino (chamado rebeca). O piano é um apanágio apenas para os mais abastados. Como aerofones podem-se citar o saxofone, o clarinete, a trompete. Recentemente, a flauta tem sido utilizada como instrumento didáctico. O acordeão (chamado gaita) é usado (não exclusivamente) no funaná. Como membranofones são usados vários tipos de tambores. Os idiofones são usados sobretudo com uma função rítmica; é de salientar a «invenção» do ferrinho. Os electrofones são de introdução recente.
Alguns instrumentos de origem africana (o bombolom, a cimboa, o correpi, o dondom) estão em vias de desaparecimento.

Produção musical

Tendo em conta as dimensões (geográficas e demográficas) de Cabo Verde, pode-se dizer que em termos musicais os cabo-verdianos são prolíferos. Não se sabe o porquê dessa tendência natural para a música, mas alguns autores especulam que a pouca abundância de certos recursos naturais (madeira ou pedra para a escultura, vegetais para a produção de tecelagem ou tintas) deu espaço para que a música se desenvolvesse mais do que outras expressões artísticas.
Embora existam modernamente estúdios de gravação, não existe produção de suportes físicos (CD, discos, etc.), sendo a música de Cabo Verde produzida sobretudo no estrangeiro. Actividades relacionadas com a divulgação e interpretação da música são no entanto frequentes. Conhecido internacionalmente é o festival anual da Baía das Gatas.